De vez en cuando, el cine se disfraza de oráculo. Incluso sin proponérselo, capta las ondas narrativas del mundo y las convierte en algo delirante pero escalofriantemente familiar. Mickey 17, del coreano Bong Joon Ho, se atreve a satirizar a los megalómanos de turno y a retratar a quienes nos vamos quedando detrás. Pero ¿qué pasa cuando la sátira se convierte en una caricatura de sí misma?
Un viaje sin retorno se podría decir que es ver El jockey. Tal vez ni siquiera tiene camino de ida. La habilidad de los jinetes que nos comandan es sobresaliente, y provocan que la experiencia de ir a ver esta película sea bidireccional, nosotros vemos El jockey, pero su protagonista también nos ve, directamente a los ojos con anteojeras.
Bella de ver, intensa y atrapante buena parte del tiempo, de enorme complejidad, El brutalista sobre todo descolla por proponer un extenso y grandioso relato novelesco que cubre casi cuatro décadas en la vida de sus personajes a lo largo de tres tiempos, entre 1947 y 1980. Su proyección, que se toma parsimoniosos 215 minutos totales y consta de obertura, prólogo, dos capítulos y un epílogo, es como un viaje en transatlántico.
La película número cincuenta de Woody Allen muestra al octogenario realizador en plena capacidad de abordar con belleza y profundidad sus temas de siempre: las relaciones personales, el amor, y los dilemas de la moral y la ética. Filmada enteramente en la capital francesa, con actores y equipo europeos, y hablada en francés, Golpe de suerte en París es un filme para gozarlo.
Meterse en los meandros del Vaticano durante la elección de un Papa despierta curiosidad espontánea y por eso un relato sobre ese motivo requiere una cuota de fantasía pero, además, grandes temas, escenografía grandiosa y guionistas con capacidad para el bordado fino y la alegoría moral. También buenas actuaciones y una dosis significativa de fe. No en Dios, necesariamente; menos en la Iglesia, pero sí en la valiosa capacidad de redimirse de la especie… bueno, llamémosla humana.
La información de prensa la califica como thriller psicológico. Quizá la ausencia en la definición de la palabra “político” busca ampliar el público al que pueda llegar el filme. Para algunos/as, especialmente quienes vivimos la dictadura en Chile, antes que nada nos parece una película sobre la violencia de ese período, aunque narrada en clave psicológica, paralelamente. Los/as más jóvenes verán mayoritariamente este segundo factor.
Desde México, nuestro colaborador y académico Roque González habla de las críticas a Emilia Pérez que, pese a ser aclamada por la crítica internacional, ha recibido fuertes cuestionamientos por su representación considerada superficial e insensible de la violencia, el narcotráfico y la problemática de los desaparecidos en México. El debate generado se centra en la cuestionable romantización de la violencia y la explotación para fines comerciales de un tema tan sensible además del cuestionamiento por la falta de investigación de parte del director.
La renovada vitalidad del cine musical encuentra confirmación en Emilia Pérez, fantasía desaforada anclada en una realidad sórdida pero elevada, fatigosamente a ratos, a una imitación de lo sublime. Todo gracias al riesgo creativo del cineasta Jacques Audiard, uno que no tiene miedo a mezclar ingredientes heterogéneos y sabores contrastantes
La radicalidad de la experiencia amorosa del cine de Cassavetes se percibe claramente como línea divergente de cualquier determinación psicológica o existencial del cine convencional. Es ciertamente un impensado giro de la experiencia hacia una profundidad ontológica donde se esfuman las inclinaciones y ataduras del movimiento amatorio que acaba expresando su esencia.
