Coinciden en la cartelera signos de cambios en el mundo femenino, aquel que parece contener en sí muchas de las novedades que requiere nuestro presente para tener futuro. Después de todo, las mujeres han sido siempre depositarias del avenir, incluso bajo los peores yugos del machismo más atávico.
Durante las últimas dos décadas, el cine cocinado en Chile se ha estrechado con historias de marginados, personas en el límite de la sociedad y con tópicos minimalistas asociados más a las filmografías europeas que a las huestes sudamericanas.
Desde que Ucrania, es decir el antiguo Rusk de Kiev, dio origen a Rusia, hace más de mil años, hay disputas por la posesión de uno de los mayores graneros del mundo. Por eso el máximo monumento del cine ucraniano se llama La tierra y fue estrenado hace noventa y dos años.
Atreverse a reflejar un grado de complicidad entre prostituta y proxeneta puede resultar, hoy por hoy, una imperdonable provocación. Pasolini, a quien provocar se le daba bien, hace de ésta, y otras contradicciones abordadas en sus dos primeros filmes, Accattone y Mamma Roma, un vehículo que, sin romantizar, conduce hacia la sensibilidad del mundo marginal que sobrevive bajo las ruinas de la pretendida civilización.
La ya superada disputa entre el cine de géneros y el de autores ha vuelto a activarse en la última edición del Festival de Cannes, donde fue premiado Titane, de la joven y casi desconocida realizadora francesa Julia Ducournau.
Un hombre silba escondido detrás de una ventana. Una frase musical repetida. En sí, no es amenazante, pero la escena es bastante inquietante. Esta imagen resumen la tensión y la idea central de El poder del perro (Jane Campion, 2021): el juego cruel entre dominador y dominado; el poder de lo heteronormado y de su predominio sobre cualquier otra forma de género y sus expresiones. María Eugenia Meza y Claudio Salinas analizan este tan comentado filme de la realizadora neozelandesa.
Que la realidad termine imitando la ficción (que, después de todo, es una forma creativa de la realidad) no es nada nuevo. Pero eso no evita sorprendernos con el preocupante parecido que una de las más famosas películas de Frank Capra tiene con hechos recientes.
Hay temas y relatos que parecen no conocer el ocaso de sus posibilidades. Puede que ser porque continúan siendo ejemplos de una permanente conducta social y que, por lo tanto, vuelven al presente para señalarnos lo que repetimos como error, una y otra vez.
Hay temas, motivos y hasta íconos que persisten en la filmografía de Paul Shrader. Uno remite al rigor de crecer en una familia calvinista, que no le permitía ver cine. Tenía 17 años cuando vio por primera vez una película. Otra fijación es su búsqueda de lo “transcendental” mediante una visualidad austera que, junto tributar a Bresson, Dreyer y Ozu, consigue dotar a sus realizaciones de una cierta “vibra rockera” propia del Cine B de explotación. Ambas obsesiones están presentes en su última obra.
